Nuevo tráiler de Batman Dark Knight Rises en HD

Como lo prometido es deuda, y ya hemos superado el millar de visitas, abrimos nueva sección en Sayonara, baby que recogerá noticias interesantes sobre el mundo del séptimo arte y las mejores series de la pequeña pantalla. 

Al igual que inauguramos el blog con una crítica de Spielberg ("Las aventuras de Tintín"), para inaugurar esta sección había que hacerlo también a lo grande, para lo cual he seleccionado una película que está haciendo salivar a los fans desde hace tiempo: "Batman Dark Knight Rises" (o, en español, "El caballero Oscuro: La leyenda renace").

Tras la parada cardíaca de algunos durante el día de ayer debido a la broma realizada por el portal eCartelera para festejar el Día de los Inocentes, en la cual se anunciaba que el estreno de la ansiada tercera (y parece ser que última) parte de la trilogía de Christopher Nolan, iniciada con "Batman Begins" y continuada con "El Caballero Oscuro", se retrasaría hasta finales de 2012 debido a problemas para entender al villano Bane (estos problemas parece que sí que son reales en la versión original, pues se lleva varios días rumoreando que es probable que haya que doblar de nuevo algunas partes), ya podemos contemplar el tráiler subtitulado, subido hace unos días por Warner después de múltiples pirateos.

Esperando que os guste, también os dejamos con un par de imágenes del rodaje.

Christopher Nolan supervisando el rodaje

Ciencia-ficción crítica y entretenida

IN TIME

El guionista de la magnífica "El show de Truman", y director y guionista de obras notables como "Gattaca" o "El señor de la guerra", Andrew Niccol, nos adentra en un futuro cercano en que los hombres han sido modificados genéticamente. De este modo los niños nacen con un reloj incorporado que, al cumplir los 25 años, se activa otorgándoles un año de vida e impidiéndoles envejecer físicamente. A partir de ahí cada ser humano gana tiempo con su trabajo y lo gasta para comprar cualquier tipo de necesidad, desde un café hasta una casa o un coche. El problema surge porque, como en toda sociedad, se generan grandes diferencias entre los millonarios que tienen miles de años a su disposición y los pobres que viven sin saber si van a conseguir el tiempo suficiente para vivir hasta el día siguiente.

  

De este modo el mundo se ha dividido en barrios con grandes diferencias sociales entre sí denominados zonas horarias. Aunque la circulación entre las diferentes zonas horarias es libre, para pasar de una a otra es necesario pagar un peaje de una cierta cantidad de tiempo, el cual se incrementa notablemente según se avanza hacia los barrios más ricos. De esta forma tan sencilla los ricos se aseguran que los pobres no les molesten, manteniéndolos en barrios marginales en los que la gente se mata por conseguir unos pocos minutos.

Para que no haya robos se ha creado una policía encargada de vigilar el tiempo y controlar el flujo del mismo (¿no os recuerda a Wall Street controlando el flujo de dinero?) pero que, en la práctica sólo se encarga de velar por la seguridad de los abultados relojes de los millonarios mientras que en los barrios marginales se mata gente cada día (además de todos los que mueren porque su reloj se agota) sin que les precupe lo más mínimo. Así, Will Salas (Justin Timberlake), un obrero de la construcción, será perseguido por dicha policía cuando un millonario que se topa con él, cansado de vivir eternamente (muy interesantes las razones que expone, no es un suicida que no ame la vida), le regala más de 100 años y se suicida. Desde este momento será acusado del asesinato del millonario, así como del robo de su tiempo.

A partir de esta premisa tan interesante se articula una historia con una fuerte carga crítica contra el afán de inmortalidad del ser humano así como contra la capacidad de explotación de los débiles por parte de los poderosos. Apoyada por unas interpretaciones correctas, tanto de Justin Timberlake (quien sorprendió con su interpretación de Sean Parker en "La red social") como de Amanda Seyfried (que interpreta a una millonaria acomodada que poco a poco se empieza a plantear preguntas sobre el mundo en que vive), destaca especialmente Cillian Murphy (conocido mundialmente por ser el espantapájaros de la nueva trilogía de Batman de Christopher Nolan) como el vigilante del tiempo encargado de perseguir a los protagonistas (quién, curiosamente, apenas se hace preguntas sobre la "justicia" que defiende).

 

Un fuerte componente crítico y el hecho de invitarnos a reflexionar sobre multitud de cuestiones tan propias del ser humano, así como un punto de partida tan interesante y polémico, hacen de esta película un entretenimiento más que notable, del cual podemos extrapolar muchas ideas a nuestra realidad cotidiana y a nuestra filosofía de vida.

Apartheid extraterrestre

DISTRICT 9 (DISTRITO 9)

Producida por Peter Jackson y basada en un corto del propio director Neill Blomkamp nos encontramos ante una atípica película de extraterrestres. Quienes esperen ver conocidos monumentos estadounidenses explotando, abstenerse. No nos encontramos ante una película de alienígenas al uso, sino que la película muestra el comportamiento humano ante lo desconocido y lo diferente.

Para empezar los extraterrestres no aparecen sobre Washington D.C. o Los Angeles, sino que paran los motores de su nave sobre Johannesburgo (Sudáfrica). Antes de saber si vienen en son de paz o con ganas de guerra, los soldados entran en la nave y los recluyen en campos de concentración, en miles de chabolas. De este modo, con los extraterrestres recluidos a las afueras de la ciudad, pasan varios años.

A partir de este punto, asistimos a todo el proceso previo al traslado de los extraterrestres desde el campo de concentración en el que se encuentran a otro más alejado de la ciudad. Este traslado se produce porque a la gente le molesta que estén tan cerca de sus casas porque dicen que provocan muchos problemas al rebuscar entre la basura buscando comida (pero nadie se pregunta por qué ocurre esto). La película está realizada como si fuese un documental sobre Wikus Van de Merwe, el encargado de que el traslado se realice de forma pacífica. Esto aporta mayor realismo a las escenas, debido al uso de la cámara en mano en muchos momentos así como a la suciedad que salta a la lente en las escenas de acción (todas muy conseguidas e integradas en ese estilo realista de la película pese al bajo presupuesto de que disponía su director).

 

La empresa, (sí, empresa privada) encargada de relacionarse con los alienígenas es la MNU (Multi-National United). Esta empresa, cuyo nombre también es una curiosa adeverencia, posee un parque de vehículos muy similar a los de la ONU (¿casualidad?, no lo creo). Además, asistimos a todos los abusos a los que someten a los alienígenas (tratandolos como "bichos", insultándolos y vejándolos, golpeándolos a la mínima, eliminando a sus crías de manera muy dolorosa para "controlar la población"...) puesto que dicha empresa sólo quiere de ellos su tecnología alienígena (la cual es mucho más avanzada que la humana pero no consiguen hacerla funcionar). De este modo, también asistimos en primera persona a la persecución y tortura a la que someten al propio Wikus (por motivos que ya descubriréis cuando veáis la película), mostrando la codicia, egoísmo y crueldad humanas en su máximo nivel.

 

La película estuvo nominada a 4 Oscar (Mejor película, Mejor guión adaptado, Mejores efectos visuales y Mejor montaje), aunque no consiguió ninguno finalmente. Sin embargo, pese a tener un buen guión y un desarrollo adecuado, lo más destacable es lo que nos puede hacer reflexionar sobre los mayores defectos de la naturaleza humana.

Dibujos sencillos y muy críticos

La película (de dibujos animados, que no animación) que nos ocupa trata la historia de una niña iraní que vive los comienzos de la revolución islámica desde una perspectiva infantil e ingenua. Poco a poco acompañamos a esta niña en su crecimiento y maduración personal, así como en los principales eventos que ocurrieron en Irán, desde la vida tranquila y apacible antes de la Revolución de 1979 hasta nuestros días, pasando por la opresión que instauró el régimen del ayatollah Jomeini que proponía volver a los valores tradicionales islámicos, pues aseguraba que se estaba desvirtuando la moral islámica.

    

También vemos cómo vivió una familia anónima la Revolución iraní, pues al principio estaban felices de los aires de revolución y cambio que se respiraban, que parecía que iban a acabar con la dictadura del Sha de Persia y otorgar mayor libertad a los ciudadanos, pero que poco a poco van viendo que los métodos y la ideología de los revolucionarios son mucho más peligrosos que los ya instaurados por el Sha.

Nos encontramos ante una película muy expresiva, con más sentimiento (que no sentimentalismo) que la mayoría de producciones de los últimos años. A esto ayuda enormemente el estilo visual de la película, sin ninguna duda el más adecuado para el tipo de historia que se quería contar. Los autores juegan con el color (la primera vez que aparece el color en la película, la cual se desarrolla en su mayor parte en blanco y negro, es cuando la protagonista está esperando en el aeropuerto para volar a Occidente), con las sombras (esos malos siempre en penumbra), las luces, la perspectiva, la profundidad... De esta manera magistral enriquecen la película y complementan y llenan la historia de detalles de calidad, así como de simbolismos muy sugerentes y críticos.

Todos los personajes de la película están muy bien definidos, pero especial mención merece la abuela de la protagonista. Liberal y decidida, con unos valores muy fuertes y arraigados, siempre intenta guiar por el buen camino a su nieta, a la cual le habla con una gran naturalidad de temas tales como la política o la sexualidad. Sin embargo, la principal virtud de la película es su protagonista. Una niña que ve el mundo de una manera muy particular y analítica, siempre con grandes dosis de ironía, crítica y mala leche.

En definitiva, estamos ante una de las sorpresas más agradables de los últimos años. Una película que consigue relatar una historia difícil y emotiva, sin caer en sentimentalismos ni partidismos exagerados, y aprovechando al máximo todas las oportunidades que ofrece el formato elegido.

Idea interesante, actores solventes... resultado pobre

ASESINOS DE ÉLITE

Robert de Niro ("El cabo del miedo", "El Padrino"), Jason Statham (saga "Transporter", "The italian job"), Clive Owen ("Hijos de los hombres", Sin City") y los televisivos Dominic Purcell (el hermano de Michael Scofield encerrado injustamente en la prisión de Fox River en "Prison Break") e Yvonne Strahovski (la sexy espía ayudante de Chuck Bartowski en "Chuck"). ¿Sólo por el reparto ya te apetece verla no?

Bien, para empezar la presencia del gran Robert de Niro es apenas un cameo un poco estirado, puesto que el protagonista absoluto es Jason Statham. Por otra parte, los televisivos Dominic Purcell e Ivonne Strahovski, si bien es cierto que no son grandísimos actores, están muy desaprovechados en sus respectivos roles, sobre todo la segunda, cuya historia de amor con Statham parece metida con calzador.

Statham está correcto en su papel, tipo duro con algo de corazón pese a su trabajo, pero no tiene un personaje con muchos más matices. Lo mismo le ocurre a De Niro en el poco tiempo que aparece en pantalla, su personaje es bastante plano y con unas motivaciones nada claras (pese a lo que pueda parecer al principio). Dichas motivaciones sin aclarar no dotan de profundidad y complejidad al personaje, sino que sólo confunden al espectador. Quién más brilla es Clive Owen, cuyo personaje tiene unas motivaciones mejor definidas que el resto que el actor sabe aprovechas a base de bien, dotando a su personaje de un carisma mucho más interesante que el resto del reparto (y dotando al actor de mayores posibilidades de mostrar sus registros).

Pese a tener un tema y un reparto más que solvente el director, el novel Gary McKendry, no sabe aprovechar las posibilidades de la historia. La acción, bastante menos de la que cabría esperar tras ver el trailer, está pobremente desarrollada, con alguna escena solvente pero nada destacable ni perdurable en la retina más allá de 5 minutos después de abandonar la butaca. Además, muchas de las escenas de acción, sobre todo las peleas cuerpo a cuerpo, están rodadas con planos muy cerrados y con muchos cambios de plano por seundo, lo que provoca que el espectador apenas se entere de lo que ocurre en pantalla.

La historia de suspense e intriga hace aguas por todas partes y algunas reacciones de los personajes no están explicadas en ningún momento (cuando veais el final, por ejemplo, sabréis a qué me refiero). No sé si esto es debido a un mal guión o a un mal montaje, pero el resultado final del conjunto es bastante pobre.

Por consiguiente, si no teneis otra cosa que ver, la película te hará pasar un rato agradable (aunque habrá momentos un poco lentos) pero, si tenéis otra opción elegid esa, puesto que está película tiene muchos grandes actores pero acaba defraudando (y bastante) en su conjunto debido a su pobre desarrollo, a su deficiente acción (salvando un par de escenas) y a las incongruencias del guión.

Live in a Dollhouse

DOLLHOUSE (Serie de TV)

Nos encontramos ante una serie que, ciertamente, no tiene un título que atraiga excesivamente a su público potencial (jóvenes a los que les gusta la acción, el suspense y la ciencia-ficción): "Dollhouse", cuya traducción es algo así como "Casa de muñecas".

Sin embargo, si aguantamos los primeros capítulos, que son un poco más tediosos (aunque a mí me fascinaron) para quién no sea muy aficionado al género de la ciencia-ficción puesto que se presenta a los personajes y el mundo ligeramente futurista en que se desarrolla la acción, así como las principales líneas de la trama de suspense que guiará toda la serie; nos encontramos ante una serie original, entretenida, variada y con una fuerte carga crítica.

La historia comienza en un futuro cercano en que una gran corporación ha creado a los "Activos" o "Muñecos", personas que son despojadas de sus recuerdos e identidades y a las que les implantan los recuerdos y habilidades que requieran para la misión para la que han sido contratados. Estas misiones pueden ir desde rememorar una primera cita hasta robar un banco, pasando por seguimientos, fantasías sexuales o negociaciones. De este modo, en un capítulo tienen habilidades para el kárate y la lucha y en el siguiente son una inocente colegiala que no sabe defenderse, lo cual aporta gran variedad al desarrollo de la serie (pese a que siempre hay una línea de desarrollo que se mantiene durante toda la serie). Legalmente estas instalaciones no existen, puesto que está prohibida la tecnología necesaria para implantar recuerdos a los "Activos", pero en la práctica hay gran cantidad de senadores, políticos y miembros importantes de la sociedad que contratan sus servicios y que protegen a dicha corporación.

Así, Joss Whedon (creador de "Firefly" y su continuación en cine "Serenity", de la serie "Buffy Cazavampiros", y responsable de la nueva película de Marvel "Los Vengadores") crea una serie que engancha con unas tramas muy bien llevadas, unos efectos especiales y una acción más que solvente para el presupuesto que maneja y con unos personajes muy bien definidos. Destacan especialmente Eliza Dushku (habitual en las producciones de Whedon) como la inocente Echo, un "Activo" que poco a poco va decubriendo que hay cosas un poco extrañas en el mundo ídilico en que vive en la "Casa de Muñecas" (nombre que recibe el lugar donde duermen los "Activos"), puesto que recuerda cosas que no debería de anteriores misiones; Olivia Williams como la implacable directora del complejo Dollhouse que dirige a los encargados de los "Activos" con mano de hierro; y Harry Lennix como el "manejador" de Echo, el cual poco a poco va estableciendo un fuerte vínculo con Echo. También hay apariciones especiales de actores habituales en las producciones de Whedon como Summer Glau ("Firefly", "Serenity", "Terminator. Las crónicas de Sarah Connor") o Alan Tudyk ("Firefly.", "Serenity", "Yo, robot").

Tras borrarles los recuerdos de su última misión (o al implantárselos) los "Activos siempre despiertan diciendo la frase "Do I fall asleep?" (algo así como "¿Me quedé dormido?") a la cual les contestan "For a little while" (algo así como "Sólo un momento"). Estas dos frases se te acabarán quedando en la memoria (sobre todo si ves al serie en Versión Original, lo cual recomiendo encarecidamente) y las recordarás con nostalgia tiempo después de acabar las dos magníficas temporadas (un total de 26 capítulos) que componen esta serie.

Otra gran ventaja es que la serie tiene un final cerrado, no la terminaron de repente porque decidieran no renovarla y se quedó con tramas abiertas sin resolver. Los capítulos del final de la primera temporada y del final de la serie (final de la segunda temporada) van casi continuados entre sí (ya veréis porqué) y demuestran cómo un buen guión y una buena planificación de la estructura de la serie pueden hacer maravillas con la calidad de un final y con la calidad global de una serie.

Por tanto, estamos ante una serie no muy conocida (por desgracia) que recomiendo enormemente para todos aquellos aficionados a la ciencia-ficción o, simplemente, para los aficionados a las buenas series.

Empatizar con un asesino

DEXTER (Serie de TV)


Antes que nada decir que no voy a desvelar datos relevantes de ninguna temporada y que voy a realizar una crítica basada en las 5 primeras temporadas de la serie (la 6ª todavía la están emitiendo por lo que no sería justo valorarla hasta conocer el final). El objetivo de esta crítica es que haya más gente que vea esta maravillosa serie, por lo que si desvelo en mi blog que el protagonista es un asesino... Vaya, ya se me ha escapado. ¡Ah no! Que éste es el punto de partida de esta maravillosa serie...


Pues sí, la cadena Showtime va un paso más allá en lo que a series de televisión se refiere y nos introduce en la vida de un asesino en serie. Aviso: gente deseosa de casquería y gore abstenerse de ver esta serie, pues no se centra en la brutalidad de los crímenes (que, aunque los hay, siempre están rodados de manera que no se muestra más de lo estrictamente necesario para que veamos la brutalidad de los personajes). Esta serie destaca porque explora la psicología de su protagonista y habla de temas universales para el ser humano como la búsqueda del amor o de la verdad, o el deseo de venganza.

La serie nos introduce poco a poco en la mente perturbada de Dexter Morgan, interpretado magistralmente por Michael C. Hall (A dos metros bajo tierra), un forense de la policía de Miami que, durante el día, resuelve crímenes para la policía pero, cuando llega la noche, se dedica a impartir su propia justicia. Y sí, digo impartir su propia justicia porque tiene un código moral muy fuerte implantado por su padre, también policía de Miami. Éste, al descubrir la necesidad de matar de su hijo cuando era pequeño decide utilizar esa necesidad para eliminar a los criminales que han evadido a la justicia.

A lo largo de las temporadas vamos descubriendo a Dexter Morgan, un hombre sin sentimientos, que no sabe cómo amar o relacionarse más allá de copiando lo que ve que hacen los seres humanos que le rodean. Sin embargo, posee una enorme inteligencia que le permite ir siempre un paso por delante de la policía. Las reflexiones del personaje sobre la hipocresía de las relaciones humanas, la justicia o el bien y el mal son uno de los puntos fuertes de la serie, pues es un personaje que habla sin tapujos y ofrece otro punto de vista, sin tanta hipocresía y corrección política, sobre el ser humano.

En la serie es muy importante también el conjunto de secundarios, liderados por la hermana de Dexter, Debra Morgan (Jennifer Carpenter) una policía malhablada y dura que siempre será el principal apoyo de Dexter; así como su pareja Rita Bennet (Julie Benz) que es quién más hace evolucionar a Dexter, puesto que intenta con especial ahínco que Dexter sea una pareja normal debido a los problemas que tuvo con su anterior pareja, el padre de sus dos hijos, a causa de las drogas. También aparecen personajes como Maria LaGuerta (Lauren Vélez), la estricta jefa del Departamento de Policía de Miami; Ángel Batista (David Zayas), el compañero de Debra Morgan, un hispano que siempre la apoya y que constantemente intenta hacer lo correcto; y Vincent Masuka (C.S. Lee), el compañero forense, con un enorme ego, de Dexter.

También son muy importantes los personajes que aparecen durante una temporada (aunque a veces regresan algún capítulo de otra temporada debido a su fuerte trascendencia en la serie) como invitados especiales, ya sea como amigos o como rivales de Dexter (o a veces como ambos, no diré más). Así, aparecen nombres como Keith Carradine (2ª temporada), Jimmy Smits (3ª temporada), John Lithgow (4ª temporada) o Julia Stiles (5ª temporada) que ofrecen un soplo de aire fresco cada temporada permitiendo evolucionar a los diferentes personajes.

Lo dicho, una serie muy disfrutable que consigue superarse en cada temporada con unas tramas y una profundización en los personajes soberbia. Lo único que tiene que preocuparnos al ver esta serie es que empaticemos demasiado con Dexter.

Sencilla, bien hecha y emotiva

LADRÓN DE BICICLETAS

Nos encontramos ante una película muy sencilla, cuyo punto de partida es algo tan cotidiano (al menos en la época en que se rodó la película -1948-) como un hombre que necesita su bicicleta para trabajar pegando carteles y que, tras conseguirla después de mucho esfuerzo, se la roban en un descuido mientras está trabajando. Sin embargo, ante un punto de partida tan sencillo, el director Vittorio De Sica es capaz de construir una historia entretenida y que te mantiene pegado a la pantalla los escasos 80 minutos que dura.

Una de las mayores virtudes de la película es que consigue que te involucres rápidamente con el protagonista y sientas la atmósfera opresora y pobre que le rodea, así como el sentimiento de angustia permanente que le acompaña desde el momento en que le roban la bicicleta. A esto ayuda considerablemente la partitura de Alessandro Cicognini, presente de manera casi constante a lo largo de toda la película, y que acrecienta la intensidad del drama.

Las interpretaciones de los actores también ayudan en gran medida a captar este sentimiento, con una interpretación brillante del protagonista de la misma, Lamberto Maggiorani, que sabe captar la angustia y los miedos del personaje a la perfección. Mención especial aparte merece el joven actor Enzo Staiola, que borda con una naturalidad pasmosa el papel de hijo del protagonista, robando todos los momentos en que aparece en pantalla. Pese a no enterarse del todo de la verdadera situación que ocurre a su alrededor, transmite una cantidad de emociones y una naturalidad pocas veces vista en la gran pantalla, y menos aún en un actor tan joven. 

Nos encontramos ante uno de esos films clásicos, una de las obras cumbres del neorrealismo italiano, que merece la pena visionar una y otra vez para apreciar todos los matices de la historia y de las interpretaciones. 

Y para los más adictos al color, aquellos a los que les cuesta mucho ver una película en blanco y negro porque es "antigua" decir que, en este caso, el blanco y negro no sólo es una limitación de su tiempo, sino que ayuda a presentar esa atmósfera opresora y agobiante, incrementando el dramatismo de la situación, recurso que ya utilizó Spielberg con excelentes resultados (tanto artísticos como de crítica y taquilla) en la sobresaliente "La lista de Schindler".

Spielberg vuelve a sus mejores años

LAS AVENTURAS DE TINTÍN: EL SECRETO DEL UNICORNIO

Pese a ser un gran fan de Spielberg no tenía grandes esperanzas en este proyecto del Rey Midas de Hollywood, pues nunca he sido un defensor de la captura de movimiento, ni mucho menos del 3D (sistema el cual, excepto en Avatar, me parece que no aporta nada y sólo estropea la película porque el director de turno se empeña en tirar 5 cosas por minuto hacia la cara del espectador olvidándose de elegir el plano más adecuado a la historia que está contando).

Aún así, me propusieron ir a verla el día de su estreno y accedí. ¿Por qué no? después de todo es del director de películas como la saga de Indiana Jones, Tiburón, ET, El diablo sobre ruedas, Salvar al soldado Ryan, La lista de Schindler, Munich, Minority Report, y un largo número de grandes películas para las cuales no tenemos espacio suficiente en esta crítica.

Nada más empezar, los créditos me engancharon como pocas veces me ha ocurrido en el cine. A partir de ahí la película sigue la máxima de Hitchcock de no dar un minuto de respiro al espectador, pero consiguiendo no saturar ni cansar al espectador en ningún momento. Lo mismo ocurre con el 3D, ni satura ni cansa, sólo enriquece la acción.

La película se beneficia enormemente del talento de su director, que consigue sacar el máximo partido de la técnica de captura de movimiento que tanto ha perfeccionado Zemeckis (director de la saga de Regreso al futuro, curiosamente producida por Spielberg). Además, la planificación y montaje de las secuencias es espectacular, con muchos planos secuencia perfectamente ejecutados que te permiten seguir la acción sin perderte (como ocurriría en un montaje de 5 planos por segundo, al que tan acostumbrados nos tiene el cine actual).

Spielberg da una lección de cine utilizando los reflejos de forma maestra, utilizándolos para ayudarse en la narración de la historia, no sólo "porque hace bonito"; aplicando unas transiciones espectaculares que permiten seguir mucho más fácilmente la acción y jugando con el humor, la acción y la aventura como sólo él sabe.

Este Tintín nos recupera al mejor Spielberg y nos recupera el mejor cine de aventuras (sin necesidad de sangre ni violencia desmedida, pero con un amor por los detalles, por la acción y por el humor -que nunca cae en lo infantil- que te permiten disfrutar de esta película una y otra vez). Por poner un único pero: el guión podría haber sido un poco más elaborado, pero... se trata de cine de aventuras y entretenimiento, ¿no? Y eso lo cumple a la perfección. Ademas, supongo que el cómic tampoco tendrá mucha más historia que extraer...

Puede contener pequeños spoiler:

Especial atención merecen los momentos de auto-homenaje a Tiburón (ese Tintín nadando al que sólo se le ve el flequillo) y a Indiana Jones y la última cruzada (esa persecución en motocicleta con sidecar, la cual además ofrece una lección magistral de cómo montar una escena de acción con un ritmo vertiginoso sin necesidad de recurrir a un montaje frenético de 5 planos por segundo). Así como el momento en que se permite lanzar un bastón hacia la cara del espectador como para que éste se de cuenta de que no es necesario utilizar ese recurso para captar el 3D (puesto que sólo lo hace una única vez en todo el film).

También cabe destacar esa magnífica persecución de Milú al coche que acaba de secuestrar a su dueño (una lección de montaje y cómo colocar una cámara para mostrar la acción) y la lucha entre dos grúas carga-contenedores como si fuesen espadas.